Emilio Boggio: Una obra fotográfica inédita para la Historia de la Fototografía Latinoamericana

Emilio Boggio (1857-1920), autorretrato ca. 1916

La obra de Emilio Boggio (1857-1920) es aún muy poco conocida no solo en Venezuela, su país natal, sino en Francia país donde vivió la mayor parte de su vida y donde murió en 1929. Su pintura, de tendencia impresionista, se desarrollo en un ambiente de grandes transformaciones culturales, económicas y sociales a la par de los movimientos pictóricos de vanguardia que se surgieron en Francia durante la última década del siglo XIX. Su temperamento rebelde y vanguardista lo llevo desde muy temprano a interesarse por la fotografía, mucho antes de que se formara como pintor, aspecto por demás desconocido de su obra hasta el momento, pero que constituyó mas tarde una herramienta importantísima en su trabajo pictórico.

Puente sobre el río Oise, oleo sobre tela, ca 1910

Boggio estudió pintura en la Academia Julian con el celebre pintor academicista Jean Paul Laurens, maestro también de Michelena y Cristóbal Rojas, con los cuales compartió sus enseñanzas. La calidad de su pintura le valió el reconocimiento en los mas prestigiosos salones de arte franceses. Y su relación con los artistas de la época lo llevo a establecer amistad con legendarias figuras de la pintura como Camile Pizarro, Claude Monet, Alfred Sisley, y en particular con Henry Martin, asiduo visitante de su taller de Veraux-sur-Seine. También es conocida su vocación política por el Socialismo y su admiración y amistad con figuras importantes d esta linea politica como Jean Jaurés, líder socialista francés fundador del periódico l’Humanite.

Desayuno al borde del rio Oise, ca. 1912, copia al carbon, 4x5 cm.

Boggio murió en Auvers-Sur-Oise, Francia, el 7 de junio de 1920, en el mismo pueblo donde vivió brevemente Vincent Van Gogh, sin dejar descendencia familiar. Su obra paso al olvido hasta los años 60 cuando se adquiere, de manos de un anticuario, gran parte de sus pinturas, enseres personales, objetos, archivo personal y un pequeño lote de fotografías para crear el Museo Boggio en los espacios del Consejo Municipal de Caracas, hoy desincorporado. Es precisamente una de estas fotografías que presentamos con carácter de primicia, siendo la primera vez que se habla de la obra fotográfica de Boggio, por su valor no solo documental sino legítimamente artístico, digno de ser incorporado al repertorio de las obras mas emblemáticas de la Historia de la fotografía en Venezuela, latinoamericana y mundial. Albert Junyent, mencionaba tímidamente en su biografía de Boggio la afición que profesaba por la fotografía, pero ningún investigador u historiador se ha interesado hasta la fecha en investigar, hasta ahora, la importancia que represento la fotografía en su obra.

Bote a orillas del lago de Enghien-les-Bains, ca. 1912, copia al carbón, 4x5 cm.

Estas imagenes son ilustrativas de las calidades y cualidades estéticas fotográficas de su obra artística. Boggio madurara su trabajo fotográfico en un momento en el cual las corrientes de vanguardia estética en fotografía evolucionaban en torno a las teorías del movimiento pictorialista. No sabemos a ciencia cierta si tuvo conocimiento de estas tendencias pero es evidente, por los recursos fotográficos estéticos a los que recure, que pudo haber tenido alguna noción de los principios que regían esta corriente fotográfica de finales del siglo XIX y principios del XX en Europa y el resto del mundo. Los materiales fotográficos y opticos que utiliza corresponden perfectamente con las fechas y el momento preciso en el cual se desarrolla el debate y las propuestas pictorialistas. Placas color autocromo, papeles al carbón, placas de vidrio en formatos aptos para cámaras ligeras y transportables, y por encima de todo la presencia en su obra fotográfica de temas paisajísticos, escenas naturalistas, temas de genero, desenfoque artístico y composiciones alegóricas. Todo un léxico estilístico acorde con las experimentaciones estéticas más vanguardistas de la época, que hacen de su producción fotográfica una de las obras mas emblematiocas de este periodo hostoórico para la Historia de la Fotografía venezolana y latinoamericana.

Sandro Oramas Maza

Elida Dupuy y Sra. Orsini, Toscana, 1905

Abdul Mati Klarwein el pintor de Abraxas

Matias Klarwein (Abdul Mati) nació el 9 de abril de 1932 en Hamburgo (Alemania) De origen judío, su padre Joseph Ben Menachem fué un arquitecto de la Bauhaus y su madre Elsa Kühne cantante de ópera. A la llegada del nazismo en Alemania, la familía emigró a Palestina en 1934. Mati se crió en Palestina, y en 1948 con la creación del estado de Israel se fué con su madre a París donde estudió pintura. Consiguió la nacionalidad francesa y fué amigo del poeta Boris Vian, Kitti lillaz y Salvador Dalí. Residenciado por muchos años en las Islas Baleares, Mati es conocido como el pintor “hamburgués errante” y “judío-musulman-sufi-cristiano” budismo, estudioso del tantrismo. Su obra pictórica, multifacetica, híbrida y multicultural, se situa entre una suerte de “hiperrrealismo surrealista” y el “visionary-art”, muy de moda en los años 60 y 70, asociadas a los movimientos de contracultura beatnick y psicodelico, conocido también como movimiento hippie. Durante su silenciosa pero intensa carrera artística Mati realizó portadas para discos de figuras de gran relevancia en la música clásica, el pop rock y el jazz, entre las cuales se destacan la del disco Abraxas de Carlos Santana, Age of anxiety de Leonard Bernstein y Bitches Brew de Miles Davis. La obra de Mati es escasa pero goza de un verdadero culto por parte de los conocedores del arte y la cultura "underground". Se puede decir que el que no conoce a Mati Klerwein en estos días "no esta en nada" ! Abdul Mati Klarwein murio en Palma de Mayorca en 2002.

Para conocer la obra visita:
MatiKlarweinArt.com
The Artists.org listing
The Manic Landscape

Heiwa4126 La mirada esférica: Entre orden y caos.

Hacia las fronteras de la morpho-fotografía, pariente directo de las anamorphosis del renacimiento. Aquí, Heiwa4126 junto con Wee planets entre otros aficionados a este nuevo artificio optico-fotográfico, nos introducen en el mundo global del “nuevo renacimiento” de de la fotografía panorámica 360° x 180° y del súper gran angular, para obtener proyecciones de imágenes utilizando los principio de la geometría euclidiana y llevar el mundo esférico al mundo plano de la fotografía. Entre orden y caos hacia una concepción fractal del mundo perceptual.

Para ver mas ir a: heiwa4126’s photoset en Flikr

José Maria Mellado. El futuro del pasado: De la Ruina analógica a lo Sublime digital

José María Mellado es un fotógrafo español, cuya obra fotográfica a evolucionado desde la fotografía analógica tradicional, hasta los mas avanzados recursos tecnológicos de la fotografía digital y la impresión fotográfica de inyección de tinta en gran formato con pigmentos de curado UV y solventes, sobre papeles de alta calidad. Su búsqueda se sitúa dentro de la tradición del nuevo documentalismo de corte subjetivo, con una gran sensibilidad por la interpretación atmosférica del paisaje y los temas arquitectónicos. Su tratamiento de la temática paisajística se aproxima a las corrientes estéticas de las Ruinas, lo Bello y lo Sublime, que desde el siglo XVIII, filósofos como Edmund Burke y el dibujante viajero Inglés William Gilpin, situaron al centro del discurso estético del paisaje. A propósito de esta idea como de otros aspectos de su trabajo, en una entrevista publicada en La Opinión de España, Mellado opina:

-Me gusta sacar belleza de algo que es banal, feo e incluso cutre. Por eso muchas de mis fotos son de paisajes con restos de industrias o con restos del pasado.

¿Qué no fotografiaría nunca?

-El ser humano en una actitud de humillación.

-Un pobre, por ejemplo, tirado en una esquina, jamás lo fotografiaré. Al ser humano hay que sacarlo digno siempre, no moribundo ni en situaciones degradantes.Entonces ¿Qué opina de las fotografías de la gente que muere llegando a nuestras costas, de quienes llegan en cayucos y del trato que se hace de ellas?-Tengo un buena amigo que es Juan Medina y que ha tocado mucho ese tema pero él no se ceba con la miseria humana. Las suyas son fotografías de denuncia, de documento. Lo de Juan para mí vale, lo de otros fotógrafos no.

En cuanto al tema técnico, Mellado define el estado de la fotografía actual ante el desafió de la tecnologota digital en los siguientes términos:

-Hay fotógrafos que tienen una forma de trabajar muy definida y que les va muy bien y hay algunos que han encontrado una vía que les vale en digital y otros no. El digital supera en calidad a la película, eso es una cuestión demostrable pero el digital no puede imitar a la película. Si alguien pretende en digital conseguir el mismo resultado que con la película, la lleva clara. Si a un fotógrafo le gusta un determinado resultado que consigue con película, eso nunca lo va a conseguir con digital. Hay fotógrafos como Navia o Cristina García Rodero que se están pasando al digital y están encantados de la vida pero hay otros, como Salgado, que parte de su lenguaje es ese lenguaje concreto y eso no lo consigue con el digital. También hay que tener en cuenta que Salgado tiene un equipo de positivado solo para él que le positiva en París, tiene unos positivos que te mueres y eso no lo va a lograr en digital. El resto de esta entrevista se puede ver en La Opinión.

"...Una fotografía es buena cuando nos emociona..."

José Maria Mellado

Thích Quảng Đức el monje martir

En junio de 1963, un vocero de los sacerdotes budistas vietnamitas, molestos por el maltrato y la discriminación religiosa anti budista del régimen de el presidente Ngô Đình Diệm, informó a los corresponsales estadounidenses ubicados en Vietnam que «algo importante…» ocurriría frente a la embajada de Camboya en Saigón. Sólo un pequeño número de corresponsales acudió al llamado, entre los cuales se encontraban David Halberstam del New York Times y Malcolm Browne, presidente de la agencia Associated Press en Saigón. El hecho consistió en una marcha de 350 monjes y religiosos budistas con pancartas en vietnamita e inglés, contra el gobierno de Diệm y sus políticas anti budistas y exigiendo la igualdad religiosa, durante la cual uno de los manifestantes planeaba inmolarse.

Foto: Malcolm Browne, Asociated Press, 1963

El hecho ocurrió en la intersección de las calles Phan Dinh Phung y Le Van Duyet. Thích Quảng Đức, uno de los lideres sacerdotes del movimiento budista theravada, bajó de un automóvil junto a otros dos monjes. Uno de ellos puso una almohada en la calle mientras el otro abría el maletero del automóvil y sacaba un bidón de gasolina. A medida que la multitud se reunía alrededor del lugar, Thích Quảng Đức se sentó en la almohada en posición de loto mientras vaciaron el contenido del bidón sobre su cabeza, Thích Quảng Đức recitó las palabras «Nam Mô A Di Đà Phật» («homenaje a Buda Amitābha»), prendiendo posteriormente un fósforo y arrojándoselo al cuerpo. El fuego consumió su ropa y carne, mientras el humo emanaba de su cuerpo en llamas. Las últimas palabras de Thích Quảng Đức quedaron registradas en una carta que escribió antes de suicidarse:

“Antes de cerrar los ojos y dirigirme hacia la figura de Buda, suplico respetuosamente al presidente Ngô Đình Diệm que tenga compasión de los habitantes de la nación y que desarrolle una igualdad religiosa que mantenga la fuerza de la patria para siempre. Llamo a los venerables, reverendos, miembros de la sangha y predicadores budistas para que se organicen y hagan sacrificios con el objetivo de proteger el budismo.” Thích Quảng Đức, Saigón, 10 de junio de 1963.

Nota: En 1963 yo estaba llegando de Italaia de regreso a Venezuela, tenia 8 años. Aún recuerdo las imagenes en los periodicos...! Es una de las fotografías que marcaron mi imaginario visual.

Milarepa un santo poeta sociaslista del siglo X

"Yo soy el hombre llamado Milarepa, tengo como posesión el no-deseo. Como no lucho para hacer dinero: en primer lugar, no sufro por el trabajo de obtenerlo; luego, no sufro para guardarlo, y, finalmente, no sufro tratando de acumular mas. Mucho mejor y más felicidad trae no tener posesiones.

Sin apegos a parentela ni amistades, no busco afectos ni compañía. En primera, no sufro por apegos del corazón; luego, no sufro por ninguna querella; finalmente, no sufro a causa de la separación. Es mucho mejor no tener compañías afectivas.

Como carezco de orgullo y egoísmo, y no busco fama ni gloria; en primera, no su sufro tratando de alcanzarla; luego, no sufro tratando de conservarla; finalmente, no sufro por el temor de perderla. Es mucho mejor no tener fama ni gloria.

Como no siento deseos de algún lugar en especial, no anhelo estar aquí o allá. En primera, no me preocupo acerca de la protección de la casa; luego, no sufro de pasiones fervientes por ella; finalmente, no estoy ansioso por defenderla. Es mucho mejor no tener casa ni tierra."

Milarepa

BIOGRAFÍA:

Jetsun Milarepa (1052-1135)
Considerado uno de los más famosos yogis y poetas del Tíbet, fue estudiante de Marpa Lotsawa, y es una de las grandes figuras de la escuela Kagyu del Budismo Tibetano. Los hechos de su vida son popularmente conocidos por su biografía en el Mi-la-rnam-thar de Gtsang-smyon he-ru-ka rus-pa'i-rgyan-can (1452-1507), aunque de validez histórica cuestinoable, los dados biográficos están basados en esta biografía. Nació en el valle de Kya, Ngatsa en Tibet de una próspera familia denominada Mila Thöpaga (Thos-pa-dga'). Cuando su padre murió sus tíos tomaron todas las riquezas de la familia. A petición de su madre dejó su hogar para estudiar Magia Negra y vengarse de todos aquellos que les causaron desgracia. Mas tarde, arrepentido por el daño causado, se entrega a la tutela del maestro Marpa, con el cual practica diligentemente por doce años hasta alcanzar el estado de Vajradhara (la completa iluminación). Se dice que fue el primero en alcanzar este estado en una sola vida. Milarepa, significa "Mila, el de ropa de algodón" (el sufijo "repa" es dado a muchos yogis tántricos ya que llevan trajes blancos) A la edad de 45 años, se retiro a practicar en la cueva de Drakar Taso (Roca Blanca del Diente de Caballo) y se convirtió en un maestro errante. Subsistió a base de hojas de ortiga, lo cual le dio a su piel una coloración verdosa con la cual es a menudo representado en las imágenes y esculturas. -Wikipedia

Anotaciones para un Manifiesto Ambientalista

" El vacío es la materia y el materia es el vacío"

Gauthama Budha, Sutra del Corazón

Vivimos como decían los poetas presocráticos en una explosión de materia. Nuestra existencia esta supeditada al balance e interrelación de los elementos, al mismo tiempo que depende de un hilo muy frágil, condicionado por el equilibrio cósmico. Todo ser es un elemento de simbiosis orgánica dependiente de la interrelación y la reciprocidad entre los organismos.

Si no elevamos nuestros niveles de conciencia hacia un pensamiento universal de harmonía y compasión hacia la naturaleza y hacia nosotros mismos, mas allá de los monopolios hegemónico de la globalización, estamos condenados a la autodestrucción no solo del genero humano sino de todo el sistema biológico del planeta.

El condicionamiento por parte de los aparatos de consumo institucionalizados expresos en la búsqueda tecnologías de la velocidad, no tiene otro fin que el de optimizar de la rentabilidad y la productividad, en pro del rendimiento económico de unos pocos sobre el resto. Todo esto bajo la aparente ilusión de acercarnos cada vez mas a un ideal de placer, basado en el confort y la abundancia, reservado absolutamente a aquellos que logren acceder al monopolio de los recursos y del poder económico.

Sin agua, aire, fuego y sin tierra, no podremos existir. Las materias elementales son el origen y fin de todo lo que existe. La destrucción de los recursos naturales NO RENOVABLES, la polución, el desgaste de la vegetación, el crecimiento indiscriminado de la población, la destrucción de la capa de ozono, la contaminación de los mares, lagos y ríos, las lluvias ácidas, la producción y consumo de materiales no reciclables, todos estas acciones, fenómenos y actitudes presuponen un futuro absolutamente comprometido para las ultimas generaciones de seres habitantes de este planeta.

Viva lo natural, lo biológico, lo organico, lo efímero, lo perisable y transitorio; vivan las ideas revolucionarias y los conceptos basados en el amor, la paz y la compasión hacia todos los seres sin discriminación, hombres, mujeres, animales, vegetales, minerales, materiales e inmateriales. Toda existencia esta condicionada por el sufrimiento y la transitoriedad. Es necesario retornar y rescatar nuestra naturaleza primordial. Viva el hombre “primitivo” la sociedades y valores tradicionales de “la tribu”, la sabiduría mágico religiosa e intuitiva de los chamanes, la visón del mundo de los poetas y de los artistas.

Sandro Oramas